Regarding the works from the "Fleeting Induction" series, there were two important moments in this process, meaning that by their nature, they shed light on concepts that had been circulating in my head for some time, one has to do with a trip to the North of Portugal and the other happened while listening to a friend's comment about some paintings that I had hung on the wall of the studio.
Most of the works in this series were carried out over several years, many of them based on experiences that in the meantime have lost their "inspirational aura" but which in general tended in the same direction, a synthesis in which organic and natural forms were subjected to a filter of aesthetic purification and which resulted in stylized drawings where a slight trace of identity with those places remained. It was from this connection that the title of the series emerged, because the fleetingness of this brand was the key point of the creative process, nothing too bright, just an indelible characteristic enough for the concept to take root in the eyes of those who saw them.
Gradually I felt that I was facing an idea that ran transversally through most of these works. There was a direction there and I was committed to deepening the idea. The title came later when I had already produced a considerable number of paintings, the concept took shape in my head as I explored ways to represent the motifs, the main aspect that interested me at the time had to do with the transference of the visual energy from the landscape to the canvases, also with the mental process that selected and molded that information that I brought from fieldwork, works that were no more than some sketches in a notebook, notes of situations that had caught my attention.
The project started long before these sketches, it actually started during a trip to Trás-Os-Montes in northern Portugal
While I was there, I didn't feel that anything extraordinary had happened, it was only after I returned that I began to realize the effect that all that had produced.
Today I know that the starting point for this series of works took place on a summer afternoon in an extraordinary place called Pitões da Júnias.
It is a small village far from everything where every piece of land suggests hardness and severity. The strongest image I retained was of a dilapidated building, an old church that seemed to be in the process of turning into raw rock as if it were something that had been there forever, that had not been built by human hands, as if it were an organic cathedral. What impressed me the most was the decay of the building which, despite being made of granite, already showed signs that if it were not restored, it would not remain standing for much longer.
As I looked at those ruins, I had the feeling that I was witnessing a process in reverse of the one that had taken a group of men to pull granite blocks from the surrounding quarries and to group them in the middle of nowhere, there were the same elements but ordered in a different way - the human gesture, the granite, the earth and the plants - all this in a game of forces that over time would change in appearance. Despite being a distant relationship, at the time it seemed logical to see in that process the same idea that I had with paintings when translating my memories and impressions into stylized images that vaguely evoke the point of origin.
The starting point for the first black and white drawings was the idea that the energy that exists in everything can be transformed at any time to embody a new reality.
What I saw in Pítões da Júnias was the result of that, the continuous transformation of the landscape in search of another balance, I saw this because the symbiosis between the dilapidated building and the surrounding landscape was extraordinary, without a clear boundary between them. . That's why it seems to me that whenever I go back to a place I've been before, I feel a certain strangeness and that feeling is a consequence of the difference between what we expect to see and what is actually there. Over time, I began to give more importance to this strangeness and to realize that much of the knowledge I have about what is happening around me is also the result of my interpretation of what situations induce in me.
Concerning my work process, the intuitive way in which I advance without thinking too much about what I'm doing, it was a friend's analysis when observing some paintings that I had placed on the walls of the studio that called my attention to an aspect that I had never had occurred to me. The painting he was looking at reminded him of a place that was familiar to him and of which we both shared childhood memories.
He didn't know how to explain the reason for such a suggestion, but he mentioned that maybe it could be the chromatic notes or the general atmosphere of the painting - How could I not understand that? - It seemed obvious to him and he was amazed when I told him that such a relationship had never occurred to me because it was a painting that had evolved in many stages and had to do with diffuse experiences - Well, you must have brought something from there because there is a correspondence with the special ambience of that place - said my friend and that was music to my ears because it was precisely the kind of thing I had been looking for for some time, to synthesize the experience of the landscape to its essence, so that the vibration of the place not get lost.
A little further into the conversation, he continued to express his opinion regarding other works that were there. Not being a person with special artistic training, he surprised me when he mentioned how all the paintings had a common mark, he said that it was curious that in all of them I demarcated two levels, a structure that more or less clearly organized the space .
According to him, in each work, two principles emerge, contrasting with each other, representing two distinct levels, the atmospheric space and the underground, with a clear cleavage between them - A curious situation - he commented, because there was no clear border between layers, the difference was conveyed by a graphic code that included the density of color or the profusion of lines in the design.
«That usually doesn't immediately come to the eye because there is no horizon line» - he said - «It is a characteristic that is perceived after a while as if the eye needed some time to focus on the situation and then "whoosh" appears that open vision, where the ground seems to dissolve due to the weight of things, in which it becomes a fluid skin incapable of containing what is above and at the same time hiding what is below. The surface does not exist as a containment plane for the landscape, and the vision sinks into this mixture, it looks like a living world that stirs in this subsoil, a world seen through movement, perhaps even with a certain anxiety - I would say. It seems to be the place there where the big change takes place. On the contrary, on the surface there is no such tension and the space appears harmonious and clean. Sometimes the transition is almost imperceptible and the tension of the painting is revealed in small details, in the concentration or nuances of color» - He amazed me with his power of observation. It is a pleasant surprise to realize that our works resonate in this way with ordinary people and that it doesn't take learned opinions to know how to appreciate a painting.
My surprise was even greater when he, after some more time contemplating the painting, said to me - «Are you sure this landscape has nothing to do with that place in the mountains where there is a stream and where we dived in the summer?»
Now that he had mentioned it, I could see that he was right, it had never crossed my mind, I was struck by the evidence, without knowing it or without being aware of it, I had represented a place, which by coincidence, he knew as well as I. Here was an image abstract enough that I had never associated it with the origin, but which, no doubt, now that it had caught my attention, was becoming evident.
The "Fleeting Induction" series raises the question of spontaneous language in painting, the interest in relying on the apparent disorder of memory to structure painting. Images always have their origins in experience, but their mental transposition to the graphic plane does not mean a desire to obtain similitudes, but the ability to transfer the corresponding energy to a painting.
The fact of working by series is an attempt to deepen an idea through small variations and sometimes, the differences go beyond a limit and then another series appears, but even so, this continuity is maintained because what unites these groups is as strong as what separates them and therefore it is difficult to establish a clear boundary between series. What seems to change is not so much the object of observation as the way it is seen.
The relationship between the state of consciousness and the state of the world is based both on the differences and on the similarities between one and the other, this difference can be considered as a principle that depends on the state of the observer, one of the structuring elements and that attributes to the works the plastic nature that defines them.
Portuguese version
Em relação aos trabalhos da série "Fleeting Induction" existiram dois momentos importantes neste processo, significa que pela sua natureza trouxeram luz sobre conceitos que já andavam a circular na minha cabeça há algum tempo, um tem a ver com uma viagem ao Norte de Portugal e o outro aconteceu ao escutar o comentário de um amigo sobre algumas pinturas que eu tinha pendurado na parede do atelier.
A maior parte dos trabalhos desta série foram realizados ao longo de vários anos, muitos deles baseados em experiências que entretanto perderam a sua "aura inspiradora" mas que de uma forma geral pendiam na mesma direcção, uma síntese em que as formas orgânicas e naturais eram sujeitas a um filtro de depuração estética e do qual resultavam desenhos estilizados onde permanecia um leve rasto de identidade com aqueles sítios. Foi dessa ligação que surgiu o título da série, porque a fugacidade dessa marca era o ponto-chave do processo criativo, nada de muito fulgurante, apenas uma característica indelével suficiente para que o conceito ganhasse raízes aos olhos de quem os via.
Aos poucos senti que estava perante uma ideia que corria transversalmente através da maior parte desses trabalhos. Havia ali uma direcção e eu estava empenhado em aprofundar a ideia. O título surgiu mais tarde quando eu já tinha produzido um número considerável de pinturas, o conceito foi ganhando forma na minha cabeça à medida que ia explorando formas de representar os motivos, o aspecto principal que na altura me interessava tinha a ver com a transferência da energia visual da paisagem para as telas, também com o processo mental que seleccionava e moldava essa informação que eu trazia dos trabalhos de campo, trabalhos esses que não eram mais de que alguns esboços num caderno, apontamentos de situações que me tinham chamado a atenção.
O projecto teve início muito antes desses esboços, na verdade começou durante uma viagem a Trás-Os-Montes no norte de Portugal
Enquanto lá estive não senti que algo de extraodinário se tivesse passado, só depois de ter regressado comecei a perceber o efeito que tudo aquilo tinha produzido.
Hoje sei que o ponto de partida para esta série de trabalhos teve lugar numa tarde de verão num sítio extraordinário chamado Pitões da Júnias.
É uma pequena vila longe de tudo onde cada pedaço de terra sugere dureza e severidade. A imagem mais forte que eu retive foi de um edifício em ruínas, uma velha igreja que parecia estar num processo de se tornar rocha bruta como se tratasse de algo que ali tinha estado desde sempre, que não tivesse sido construído por mãos humanas, como se fosse uma catedral orgânica. O que me impressionou mais foi a decadência do edifício que apesar de ser feito de granito já mostrava sinais de que se não fosse restaurado, não iria permanecer muito mais tempo em pé.
Enquanto eu observava aquelas ruínas, tive a sensação de que estava a assistir a um processo inverso daquele que tinha levado um grupo de homens a arrancar blocos de granito das pedreiras em redor e a agrupá-los no meio de nenhures, ali estavam perante mim os mesmos elementos mas ordenados de forma diferente - o gesto humano, o granito, a terra e as plantas - tudo isso num jogo de forças que ao longo do tempo ia mudando de aparência. Apesar de ser uma relação distante, na altura pareceu-me lógico ver naquele processo a mesma ideia que eu fazia com as pinturas ao traduzir as minhas memórias e impressões em imagens estilizadas que vagamente evocavam o ponto de origem.
O ponto de partida para os primeiros desenhos a preto e branco foi a ideia de que a energia que existe em tudo pode ser transformada a qualquer altura para dar corpo a uma nova realidade.
O que eu via em Pitões da Júnias era o resultado disso, a contínua transformação da paisagem à procura de um outro equilíbrio, eu vi isso porque a simbiose entre o edifício em ruínas com a paisagem em redor era extraordinária, sem uma fronteira clara entre eles. É por isso que me parece que sempre que volto a um sítio onde já estive antes, sinto uma certa estranheza e esse sentimento é uma consequência da diferença entre aquilo que esperamos ver e aquilo que realmente lá está. Com o tempo comecei a dar mais importância a esta estranheza e a constatar que grande parte do conhecimento que eu tenho sobre o que está a acontecer à minha volta também é resultado da minha interpretação sobre o que as situações induzem em mim.
No que respeita o meu processo de trabalho, a forma intuitiva como eu avanço sem pensar muito no que estou a fazer, foi a análise de um amigo ao observar umas pinturas que eu tinha colocado nas paredes do atelier que me chamou a atenção para um aspecto que nunca me tinha ocorrido. A pintura que ele estava a observar lembrava-lhe um sítio que lhe era familiar e do qual ambos partilhávamos memórias de infância.
Ele não sabia explicar bem a razão de tal sugestão mas referiu que talvez pudessem ser as notas cromáticas ou o ambiente geral da pintura - Como podia eu não perceber isso? - Parecia-lhe óbvio e ficou espantado quando eu lhe disse que tal relação nunca me tinha ocorrido porque era uma pintura que tinha evoluído em muitas fases e tinha a ver com experiências difusas - Pois é mas alguma coisa deves ter trazido de lá porque existe uma correspondência com a ambiência especial daquele sítio - afirmava esse meu amigo e isso era música aos meus ouvidos porque era precisamente o tipo de coisa da qual eu andava atrás já algum tempo, sintetizar a experiência das paisagem à sua essência, para que a vibração do local não se perdesse.
Um pouco mais à frente na conversa, ele continuou a expressar a sua opinião em relação a outros trabalhos que ali estavam. Não sendo ele uma pessoa com especial formação artística, surpreendeu-me ao referir de como todas as pinturas tinham uma marca comum, afirmava que era curioso que em todas elas eu demarcava dois níveis, uma estrutura que de forma mais ou menos clara organizava o espaço.
Segundo ele, em cada obra emergem dois princípios, contrastantes um com o outro, que representam dois níveis distintos, o espaço atmosférico e o subterrâneo, com uma clara clivagem entre eles - Uma situação curiosa - comentava, porque não existia ali uma fronteira clara entre camadas, a diferença era transmitida por um código gráfico que incluía a densidade da cor ou a profusão de linhas no desenho.
«Isso geralmente não salta logo à vista porque não existe uma linha de horizonte» - dizia ele - «É uma característica que se percebe ao fim de algum tempo como se o olhar precisasse de algum tempo para focar a situação e depois "zás" surge aquela visão aberta, onde o chão parece dissolver-se devido ao peso das coisas, em que se torna numa pele fluida incapaz de conter o que está por cima e ao mesmo tempo ocultar o que está por baixo. A superfície não existe como plano de contenção da paisagem, e a visão afunda-se nessa mistura, parece um mundo vivo que se agita nesse subsolo, um mundo visto através do movimento, talvez mesmo com uma certa ansiedade - diria. Parece ser o lugar ali o lugar onde a grande mudança ocorre. Ao contrário disso, na superfície não existe essa tensão e o espaço parece harmonioso e limpo. Às vezes a transição é quase imperceptível e a tensão da pintura revela-se em pequenos detalhes, na concentração ou nuances de cor» - Ele deixou-me admirado com o seu poder de observação. É uma surpresa agradável perceber que as nossas obras ecoam desta maneira nas pessoas comuns e que não são precisas doutas opiniões para saber apreciar uma pintura.
A minha surpresa foi ainda maior quando ele depois de mais algum tempo a contemplar a pintura me disse - «Tens a certeza que esta paisagem não tem a ver com aquele local na serra em que existe uma ribeira e onde mergulhávamos no verão?»
Agora que ele o tinha referido eu via que ele tinha razão, nunca tal me tinha passado pela cabeça, fui atingido pela evidência, sem o saber ou sem ter consciência disso, eu tinha representado um sítio, que por coincidência, ele conhecia tão bem como eu. Ali estava uma imagem suficientemente abstracta para que eu nunca a tenha associado à origem, mas que sem dúvida, agora que ele me chamava a atenção, tornava-se evidente.
A série "Fleeting Induction" levanta a questão da linguagem espontânea na pintura, o interesse em confiar na aparente desordem da memória para estruturar a pintura. As imagens têm sempre as suas origens na experiência mas a sua transposição mental para o plano gráfico não significa um desejo de obter similitudes mas sim a capacidade de transferir a correspondente energia para uma pintura.
O fato de trabalhar por séries é uma tentativa de aprofundar uma ideia através de pequenas variações e por vezes, as diferenças ultrapassam um limite e então surge outra série mas mesmo assim a tal continuidade mantém-se porque o que une estes grupos é tão forte como aquilo que os separa e por isso é difícil estabelecer uma fronteira clara entre séries. O que parece mudar não é tanto o objeto de observação quanto a maneira como é visto.
A relação entre o estado de consciência e o estado do mundo assenta tanto nas diferenças como nas semelhanças entre um e outro, pode-se considerar essa diferença como um princípio que depende do estado do observador, um dos elementos estruturantes e que atribui às obras a natureza plástica que as define.